3dudop.org

La menționarea stilului Art Nouveau, apar în memorie liniile bizar curbate, absența unghiurilor drepte și o împletire capricioasă de tulpini, frunze, flori și fructe, reînviată de insecte. Toate acestea sunt trăsături caracteristice ale mișcării florale a Art Nouveau, cunoscut pentru noi ca Art Nouveau. Stilul se bazează pe respingerea artei ceremoniale tradiționale și pe o încercare de a aduce frumusețea naturii, noile forme și tehnologii de producție în viața de zi cu zi, făcând din orice obiect o operă de artă. Fondatorii stilului au proclamat unitatea omului și a mediului său, inclusiv interior, arhitectură, artă.

Stilul Art Nouveau, spre deosebire de altele, este clar limitat de perioada de timp: sfârșitul anilor 1880-1914. Trăsăturile sale distinctive sunt:

• linii netede, bizar curbate (dintre care una dintre loviturile caracteristice se numește „lovitură de bici”) și suprafețe curbate,
• dezactivat, aproape de culorile naturale: albastru, alb, bej, măslin, gri argintiu, violet pal;
• iluminare slabă, estompată de lămpi de sticlă colorată și vitralii;
• utilizarea materialelor naturale și a combinațiilor acestora: sticlă, piatră, ceramică, lemn, metal, țesături;
• tema principală a decorului este natura: peisaje, plante și modele florale, insecte și păsări.

În epoca modernă, simbolismului i se acordă un rol special. Fiecare desen nu este doar o imagine, ci și gândul artistului, exprimat prin simboluri, culori și compoziție. Imaginile cu flori și plante își poartă încărcătura semantică: orhideea simbolizează splendoarea, luxul și dragostea, feriga - pace și liniște, trandafirul - frumusețea vieții, crinul - puritatea și puritatea, hortensia - modestia și sinceritatea, irisul - lumina și speranță, clematis - tandrețe, ciulin - curaj și tărie. Mugurele, ca simbol al nașterii vieții, devine unul dintre cele mai răspândite elemente ale desenului în Art Nouveau.

Imaginea unui mac se găsește adesea, denotând tranziția dintre somn și realitate, viață și moarte. Florile individuale sunt preferate buchetelor care au fost atât de populare în secolele anterioare. Există o modă pentru produsele care imită o floare într-un pahar cu apă.

Ornamentul câștigă o popularitate deosebită datorită imaginii destul de recunoscută, dar condiționată a plantelor. Plantele acvatice stilizate cu tulpini înguste și frunze lungi - nuferi, nuferi, stuf - vă permit să creați starea de spirit a unui flux calm de viață. Curbele contururilor subliniază dinamica - creșterea și mișcarea plantelor. Contururile bizare ale florii, care contrastează cu liniaritatea frunzelor și tulpinilor, subliniază frumusețea și luxul lor - iris, orhidee, ciclamene, crizanteme, trandafiri etc. Irisul devine emblema Art Nouveau. Ei folosesc adesea imagini cu flori de pădure - crini de vale, kupavka, păpădie, ciulini, flori de porumb, concentrându-se pe farmecul simplității și al vieții de zi cu zi.

Standardul Art Nouveau a fost un desen al lui Herman Obrist (1895), care descrie un ciclam cu o tulpină curbată ornamentată. Conturul caracteristic al cotului a primit chiar și propriul său nume - „lovitura biciului” - și a fost ulterior folosit în mod activ de artiști.

Mișcarea florală a Art Nouveau - Art Nouveau - s-a format în Franța, principalele sale centre fiind Parisul și Nancy. Parisul a fost lider în arhitectură, Nancy - în arte și meserii (în special în producția de mobilier și sticlă). Conform canoanelor stilului, arta ar trebui să înconjoare o persoană întotdeauna și peste tot, fiecare obiect ar trebui să fie unic în același timp. Aceste porunci au fost urmate de maeștrii Art Nouveau, care au pus bazele răspândirii noului stil.

Unul dintre acești maeștri a fost faimosul arhitect Emile Guimard. Până acum, parizienii și turiștii admiră rafinamentul și concizia designului intrărilor metroului parizian, creat conform proiectelor sale. A reușit să dea structurilor metalice forma plantelor vii. Astfel de lucrări, „animate” de forma naturală, se numesc organogene.

Casele construite după modelele lui Guimard din Paris și Schechtel din Rusia pot servi drept exemple de arhitectură Art Nouveau. Expozițiile internaționale pariziene, care s-au bucurat de o imensă popularitate și prestigiu, au jucat un rol imens în promovarea stilului. Numărul de vizitatori la expozițiile de la Paris a ajuns la 51 de milioane de oameni. Una dintre casele lui Guimard - hotelul Beranger - a devenit subiectul expoziției internaționale din 1898 de la Paris.

Și pavilionul expozițional al Bosniei și Herțegovinei din 1900 a fost proiectat de un alt maestru al Art Nouveau - Alphonse Mucha, ale cărui afișe de teatru cu figuri feminine în haine curgătoare și ornamente florale au devenit canonul de stil.

Scopul Art Nouveau este de a crea un mediu de viață confortabil și frumos. De aceea, este la modă designul complex al clădirilor în același stil - de la acoperiș până la ultimul cui. Arhitectul proiectează clădirea „din interior spre exterior”, modelând mai întâi interiorul și abia apoi trecând la proiectarea fațadei clădirii, care devine adesea asimetrică.

Arhitectura și interiorul sunt interconectate și unite printr-o expresie de stil comună. Una dintre trăsăturile caracteristice ale clădirilor Art Nouveau sunt panourile din mozaic ceramic. Așa se decorează adesea frizele caselor. Un stil unificat de decorațiuni interioare duce la crearea de ansambluri unice, inclusiv plafoane, lămpi, panouri de perete, seturi de mobilier și parchet.

În unele cazuri, artiștii, creând un mediu de viață armonios, dezvoltă complet nu numai interiorul, ci chiar și hainele de acasă ale proprietarilor. Pe acest val, apar personaje de vârf, care erau supuse la orice: de la Catedrala Sagrada Familia la ornamentul băncii, de la palat la fereastra din ea..

Mobilierul din această perioadă se caracterizează printr-un număr mare de diverse platforme - rafturi, mese și altele - pentru amplasarea elementelor decorative. Dar Art Nouveau și-a găsit expresia maximă în arte și meserii. Ideea de creștere și dezvoltare - cheie în filozofia Art Nouveau - face din plante motivul cel mai convenabil și expresiv pentru decorare. Art Nouveau nu se străduiește să obțină o imagine tridimensională, preferând modele bizare plate, care este facilitată de convenționalitatea acceptată a reprezentării plantelor.

Sticla devine unul dintre cele mai populare elemente decorative. În acest domeniu, francezul Emile Galle și americanul Louis Comfort Tiffany au reușit și au devenit celebri. Tehnica vitraliilor Tiffany a câștigat o popularitate deosebită. Tehnologia de îmbinare a bucăților de sticlă colorată folosind folie de cupru a făcut posibilă crearea unor produse luminoase și rafinate. Lucrările unice ale lui Lalique și Faberge au lăsat o amprentă de neșters în arta bijuteriilor din această perioadă. Ouăle de Paște Faberge „Trifoi” și „Crinii din vale”, care încântă invariabil publicul, sunt un exemplu viu al tendinței florale a Art Nouveau. Întreaga suprafață a oului de Trifoi este un ornament continuu de frunze de trifoi.

Emile Halle (1846-1904) a fost în fruntea Art Nouveau. El a completat educația profesională a unui designer cu o profundă cunoaștere a filosofiei și poeziei simbolismului, botanicii și biologiei. Mai târziu, această cunoaștere va fi întruchipată în lucrările sale prin detalii despre imaginea plantelor și o înțelegere filosofică a naturii. Cunoașterea poeziei simbolismului îi va permite nu numai să simtă subtil, ci și să țesă liniile poeților săi preferați - C. Baudelaire, S. Malarmé, P. Verlaine, F. Villon - în produsele sale, ceea ce i-a adus faima ca autor al „sticlei vorbitoare”.

Galle a fost adus la vârful gloriei sale de vazele sale din sticlă laminată. La Expoziția Internațională de la Paris din 1898, operele sale au primit medalia de aur a expoziției, iar autorul lor a primit Ordinul Legiunii de Onoare.

În desenele și ornamentele lucrărilor sale, există adesea imagini de umbrelă, orhidee sălbatice, levkoi, bindweed, rowan și frunze de coacăze, precum și motive orientale cu ramuri și conuri de pin, sakura, păsări și pești.

În vazele Galle, există de la 2 la 5 straturi de sticlă colorată (de obicei trei), creând diferite nuanțe.Piesa de prelucrat multistrat a fost gravată, în urma căreia a apărut un model volumetric translucid, ca pe camee, care a fost perfecționat prin gravare. Această tehnică de „sticlă cameo”, care a făcut faimosul Galle, a fost dezvoltată din vechea tehnologie chineză a sticlei sculptate laminate. Vazele Halle sunt întotdeauna grele, cu un disc lustruit în partea de jos, permițându-vă să vedeți structura cu mai multe straturi a produsului. Lucrările lui Galle sunt pline de peisaje romantice și ornamente de flori, fructe, ierburi și insecte, creând împreună un model unic, în care semnătura autorului este țesută organic.

Până în 1900, Emile Halle a atins apogeul faimei sale. Nici o singură casă care se respectă, indiferent de nivelul de avere, nu ar putea face lipsă de produsele sale. Halle a împărțit produsele fabricii sale în trei categorii: de serie, produse în circulație industrială, la scară mică sau „semi-luxoase” (demi-bogate), așa cum se numea, produse în loturi mici și exclusive (Piese unice - unic produse) sau „de lux”, realizate de el însuși de Galle însuși într-un singur exemplar, cum ar fi o vază cu un dragon.

Prima regină română Elisabeta a fost un fan și patron al Galle, care a deschis o sucursală a fabricii sale în România. Vaze unice donate personal de autor (precum Edelweiss, Honey Cup, Paradise Muse, Moonlight) au pus bazele colecției casei regale românești.

O colecție excelentă de lucrări ale lui Galle este păstrată în clădirea Statului Major General al Schitului St. Petersburg. Nicolae al II-lea și Alexandra Feodorovna au fost, de asemenea, fascinați de opera lui Halle în 1896-1900. Camerele împărătesei erau decorate cu produsele sale. Se știe că ea și-a ales special biroul pentru a așeza o vază cu clematis pe ea, iar lui Nicolae al II-lea i s-au prezentat vase de pereche cu orhidee roz ca un cadou din Lorena. Unele dintre produsele Galle, la comanda Alexandrei Feodorovna, au fost setate în argint de Faberge.

Vazele Galle expuse la Expoziția Mondială de la Paris din 1900 au fost achiziționate de baronul A.L. Stieglitz, a cărui colecție după revoluție a mărit comorile Schitului.

Electricitatea, o noutate la sfârșitul secolului al XIX-lea, a dat un impuls noii lucrări a lui Halle - primele abajururi și suporturi de lampă din sticlă. Realizate în tehnica de intarsie sau cameo, iluminate din spate din interior și oferind o lumină redusă, au făcut o stropire în piață. Multe modele de lămpi de masă au fost create de Halle în cooperare cu Louis Majorelle, care a realizat cadre artistice pentru sticlă.

În 1901, la inițiativa Halle, a fost creată Alliance Provinciale des Industries d'Art, care a reunit mici ateliere locale producătoare de produse de artă decorativă și aplicată și a dat impuls dezvoltării industriei de artă din întreaga regiune.

Mai târziu, Alianța va fi numită Școala din Nancy (L'Ecole de Nancy), după numele școlii de artă de design, creată în Alianță și a existat de mai bine de 10 ani. De-a lungul timpului, denumirea de „Școala din Nancy” a devenit asociată cu centrul producției de produse Art Nouveau. Emblema școlii a fost crucea și ciulinul lorren, simbolizând rezistența.

Varietatea uriașă de opere de artă de înaltă clasă produse de membrii Alianței a câștigat faima școlii la expoziții internaționale și recunoaștere publică în Germania, Marea Britanie, Belgia, Italia, America și Rusia.

Succesul lui Halle a fost contagios. Exemplul său a fost urmat de frații Dom, membri ai Alianței, a căror fabrică de sticlă Daum Freres & Cie. Verreries de Nancy ”este încă înfloritoare. În 1889, au început producția industrială de vaze cu modele de plante. Produsele lor se disting printr-o imagine mai naturalistă. Lista tehnicilor de prelucrare a fost practic aceeași cu cea a lui Halle, producției de serie îi lipsea doar sofisticarea nuanțelor și a revărsărilor de culoare. Vazele și lămpile de sticlă Cameo au fost cele mai populare din întreaga lor gamă de produse.

După ce a atins popularitatea cu ajutorul sticlei cameo, Galle nu a putut sta departe de crearea de mobilier. Datorită complexității procesării, a fost creată doar ca unic sau „semi-luxos”, conform gradației lui Galle însuși. Mobilierul a fost realizat din lemn de trandafir, stejar, arțar, nuc, specii de fructe - măr, pere. Maestrul a acordat preferință speciilor locale de arbori care cresc în Lorena. Incrustarea în relief cu diferite tipuri de lemn și prelucrarea manuală obligatorie a detaliilor i-au distins produsele. Pentru decor, Galle a folosit motive naturale, fluturi și libelule. În opinia sa, „Decorul mobilierului modern, strâns asociat cu natura, nu poate rămâne insensibil la nobilimea formelor naturale”.

Pe lângă incrustări, în lucrările sale apar multe elemente sculptate. Forma devine adesea asimetrică, iar picioarele obiectelor iau pentru prima dată forma de libelule sau picioare de broască sau sunt decorate cu ornamente florale.

1909 a fost ultimul an în care lucrările membrilor școlii din Nancy au fost expuse împreună. Art Nouveau, cu piesele sale sofisticate, scumpe, care căutau exclusivitate, au dat locul unui stil Art Deco mai viabil din punct de vedere economic, cu producția în masă de piese de artă ieftine.

În 1964, a fost deschis Muzeul Școlii Nancy. Majoritatea exponatelor muzeului sunt exemple de mobilier unic, vitralii și sticlă Art Nouveau. Grădina muzeului este decorată cu o ușă de stejar către atelierul Galle, realizată în 1897 de dulgherul Eugene Wallen. Este decorat cu frunze de castan sculptate și cu motto-ul lui Emile Galle „Rădăcinile mele sunt adânci în pădure”, care reflectă toată opera sa.

La sfârșitul anilor 1990, Școala și-a reluat existența, iar 1999 a fost declarat anul Școlii din Nancy. În 2013, expoziția „Emile Galle. Glass Rhapsody ”, unde se putea face cunoștință cu opera lui Galle.

De-a lungul timpului, tendința florală a Art Nouveau, purtând ideile de reînnoire și frumusețe în viața de zi cu zi, a început să fie asociată cu Art Nouveau în general. Imaginea stilizată a florilor și liniile bizar curbate ne întoarce de fiecare dată la epoca epocii de argint, oferindu-ne bucuria comunicării cu natura și arta.